Centre Pompidou mobile à Chaumont

Première étape à Chaumont
avec le parcours thématique autour de la Couleur

Ce parcours invite à découvrir à travers quatorze chefs-d'œuvre comment les artistes du début du 20e siècle jusqu'à aujourd'hui ont exploré les infinies possibilités de jeux de la couleur. Des accords de bleus de Picasso aux rouges vibrants de Matisse, la couleur dévoile sa puissance émotionnelle et son énergie. Elle est pour les artistes du 20e et 21e siècle un inépuisable réservoir de sensations et de recherches. Depuis les couleurs primaires envahissant l'espace du tableau jusqu'aux couleurs lumières qui se déploient dans l'espace, en passant par les couleurs en mouvement : aujourd'hui, la couleur s'invite dans toutes les formes de la création. C'est cette richesse – un siècle d'inventions ! – que vous pouvez découvrir ici.

Informations pratiques :
Ouvert tous les jours, week-ends et jour fériés sauf le lundi
En période scolaire
- du mardi au vendredi :
9h-17h : visites de groupes scolaires sur réservation
17h-19 : accès libre pour tous
- week-ends et jours fériés (sauf lundi) :
10h-20h : accès libre pour tous
Visite guidée à 10h15 et 14h15
En période de vacances scolaires
Tous les jours (sauf lundi)
10h-20h : accès libre pour tous
Visite guidée à 10h15 et 14h15
Visites guidées le samedi et le dimanche, les jours fériés et en période de vacances scolaires à 10h15 et 14h15 (sans réservation - 30 personnes maximum)
Les 24 et 31 décembre, fermeture exceptionnelle à 17h
Dernière entrée : 30 minutes avant l’heure de fermeture.

I / Couleurs primaires, noir et blanc

Rouge, jaune, bleu : telles sont les trois couleurs primaires, les couleurs à partir desquelles, en peinture, il est possible de fabriquer toutes les autres. Pablo Picasso, František Kupka et Henri Matisse jouent tout à la fois de la puissance, de la présence de ces couleurs, mais aussi des multiples nuances, tons ou variations qu’elles autorisent, tel le camaïeu ou la gamme. Il s’agit pour eux d’exploiter le potentiel de la couleur, d’en révéler les richesses, de jouer avec les possibilités qu’elle offre pour produire des sensations ou bien des sentiments, pour nous confronter à sa force, à sa capacité d’émotion. Ainsi Picasso se sert-il du bleu pour exprimer sa tristesse. Jean Dubuffet, lui, joue avec le noir et le blanc. L’œil se concentre avant tout sur les formes. Couleurs ? Non couleurs ? Le blanc est obtenu par l’addition de toutes les couleurs. Ce qu’on nomme noir, au contraire, c’est une surface qui ne reflète aucune lumière…

František Kupka, La Gamme jaune, 1907
Réalisé en 1907, ce tableau affirme la couleur en jouant sur différentes nuances de jaune. Dans les yeux, pas de pupille, mais du bleu froid. L’homme regarde à l’intérieur de lui-même. Sur ses genoux, un livre, on ne sait pas lequel. Kupka exprime un état d’âme. Cet homme ressemble beaucoup à l’un des plus grands poètes français du XIXe siècle admiré par Kupka : Charles Baudelaire. Ce tableau est d’ailleurs proche d’un portrait photographique du poète, réalisé par Nadar. En nommant cette œuvre La Gamme jaune, le peintre – comme nombre d’artistes au début du XXe siècle – s’inspire de la musique pour créer des sensations.

Né en 1871, Kupka meurt en 1957. Originaire de Bohême orientale, aujourd’hui en République tchèque, Kupka intègre en 1889 l’Académie des beaux-arts de Prague, puis celle de Vienne en 1892, et fréquente un atelier de peinture religieuse dont l’influence sera décisive. En 1906, à Paris, il rencontre Marcel Duchamp et son frère Raymond Duchamp-Villon, deux artistes majeurs, découvre le cubisme et oriente ses recherches à la croisée de la musique, des sciences et de la philosophie. Peu à peu, ses tableaux s'éloignent de la représentation de la réalité. À partir de 1911, il peint des bandes colorées sur fond monochrome. Pionnier de l’abstraction au même titre que Kandinsky, Mondrian ou Malevitch, il ne sera reconnu comme tel que dans les années 1950.

Henri Matisse, Nature morte au magnolia, 1941
Pour réaliser ce tableau, Henri Matisse a préalablement exécuté un nombre très important de dessins préparatoires. Il s’est alors livré à un travail d’analyse de chaque élément. Ici, de cette observation minutieuse, il ne reste que l’essentiel : sans support pour les accueillir, sans repères, les objets se trouvent dans un rouge à la fois dense et léger. Comment, alors, préserver l’éclat de la fleur de magnolia ? En utilisant un blanc légèrement teinté de bleu. Si donc le peintre part du réel, il joue cependant avec les couleurs, il cherche à montrer les figures autrement. Pour lui, en effet, la couleur ne doit plus être seulement considérée comme un complément du dessin.

Né au Cateau Cambrésis en 1869, Henri Matisse meurt en 1954. De 1905 aux années 1950, il a pratiqué la peinture, la sculpture et le dessin. Toujours en quête de concision, il a aussi exploré les potentialités expressives de la couleur. Il décide de se consacrer à la peinture alors qu’il est âgé de 22 ans. En 1905, il travaille à Collioure avec un autre peintre, André Derain. Les deux hommes expérimentent la couleur pure. Quelques mois plus tard, au Salon d’automne, leurs œuvres feront scandale : un critique les qualifiera même de « fauves ». D’abord péjoratif, ce mot connaît un certain succès : il désigne des toiles qui libèrent la couleur. De ce groupe, Matisse est considéré comme le chef de file. En 1943-44, il invente une nouvelle technique, qui lui permet de dessiner dans le papier qui a déjà été peint, dans la couleur elle-même : la gouache découpée.

Pablo Picasso, Femme en bleu, 1944
Un bleu, mais un bleu avec des tons différents. La femme est dessinée avec des lignes simples, tantôt courbes, tantôt géométriques. Le bleu, lui, vient unifier l’ensemble. Picasso alterne les points de vue. Face. Profil. À certains endroits, le visage paraît un masque. C'est que le peintre est influencé par les arts africains et océaniens découverts à Paris plusieurs décennies auparavant. Dans ces formes nouvelles pour les Européens, il trouve alors de quoi renouveler son travail. En peinture, le bleu est souvent lié à l’immatériel, à l’infini. Picasso, lui, s’en sert pour exprimer des sentiments. Dans ce tableau peint en 1944, comme dans ceux de la période bleue du début du siècle, la tristesse domine : celle que provoque la Seconde Guerre mondiale.

Né en 1881, Pablo Picasso meurt en 1973. Figure la plus célèbre de l’art moderne, il fut un touche à tout de génie, un inventeur inlassable. Peintre et sculpteur, il a aussi expérimenté le collage et l’assemblage. Originaire de Malaga, il vivra la majeure partie de sa vie en France. De 1901 à 1904, ses tableaux sont dominés par une tonalité bleue. C’est la fameuse période bleue. Lui succède une période rose, plus légère, puis le cubisme. Les toiles de cette période sont peintes dans des camaïeux de gris et de beige: l’œil ne doit pas être attiré par la couleur, mais se concentrer sur la forme. Plus tard, dans les années 1920, Picasso réintègre des couleurs vives, qui vont de pair avec des formes anguleuses. Par la couleur, Picasso invente, innove, mais traduit aussi ses états d’âme.

Jean Dubuffet, Papa gymnastique, 1972
Ici, le rythme est donné par la ligne noire dans son opposition au blanc. Dans un souci de simplicité, Jean Dubuffet réduit les couleurs. L’œuvre fait partie d’un ensemble constitué de 175 sculptures réalisées pour son spectacle nommé « Coucou Bazar », montré à New York, puis à Paris, en 1973. Certains personnages étaient déplacés par des comédiens cachés derrière. D'autres étaient mis en mouvement par des machines. Il y avait aussi des danseurs masqués, costumés. Ils se déplaçaient autour des statues, avec des gestes lents. Ce spectacle était, selon l’artiste, «comme un tableau qui cesserait d’être une image à regarder, mais qui prendrait réelle existence et nous accueillerait en son dedans ».

Né en 1901, Jean Dubuffet meurt en 1985. Il commence à exposer dans les années 1940, se fait remarquer par une série de portraits drôles et grinçants des peintres et des écrivains qu’il fréquente. Ce sont des toiles où la matière est épaisse. Jean Dubuffet s’intéresse aussi beaucoup à l’art des enfants et des aliénés qu’il contribue à faire reconnaître en les rassemblant sous le terme d’ « art brut ». En 1948, il fonde même la Compagnie de l'art brut, afin de constituer une collection, aujourd’hui visible à Lausanne. À partir de 1962, l'artiste entame le grand « cycle de l’Hourloupe », suivi d’autres ensembles où la couleur est de plus en plus présente. À la fin de sa vie, ce seront les « Sites », avec des cellules peuplées de personnages, puis les « Mires » au graphisme plus nerveux, qui envahiront les cimaises des musées avec d’immenses formats et toujours la même énergie débordante.

II/ Couleurs en jeu

La couleur est mobile, variable : elle change en fonction des autres couleurs, celles qui l'entourent, mais aussi des mouvements de la lumière ou des déplacements de celui qui regarde. La couleur nous est donc donnée comme illusion : ce que l’œil voit n’est pas forcément ce qui est. Comment les couleurs agissent-elles alors les unes par rapport aux autres ? Comment parviennent-elles à créer des visions nouvelles, parfois même l’impression de mouvement, comme si elles étaient vivantes ? C’est ce que certains artistes ont cherché à expérimenter à travers leurs œuvres. Ainsi, par l’utilisation des touches colorées, Georges Braque cherche à structurer son tableau, mais aussi à rendre visibles les vibrations lumineuses. Josef Albers, lui, crée l’illusion de profondeur par le jeu des couleurs. Quant à Yaacov Agam, il fait de son tableau une surface multiple, toujours changeante, devant laquelle il nous invite à bouger…

Georges Braque, L’Estaque, (LE port de la Ciotat), OCT.-NOV. 1906
En 1907, Georges Braque peint le port de la Ciotat. Pour saisir les couleurs, les lumières mouvantes, vibrantes, il procède par touches. Les dominantes rose et jaune se retrouvent en plusieurs points du tableau. Sur le sol. Dans les rochers. Dans l’eau de la mer au deuxième plan. Sur les façades des maisons au troisième plan. Ainsi, notre œil relie d’un seul coup le premier et le dernier plan, sans même qu’on en prenne conscience. Couleurs douces ou violentes ? Á Marseille, en automne, les lumières sont douces. Pourtant, ici, les couleurs apparaissent aussi comme excessives. Plus fortes que dans la nature. Georges Braque est influencé par les peintres fauves qui, en 1905, avaient libéré la couleur, l’avaient rendue autonome. « C’était une peinture très enthousiaste, dira-t-il plus tard, et elle convenait à mon âge, j’avais vingt-trois ans ».

Né à Argenteuil en 1882, Georges Braque meurt à Paris en 1963. Peintre, dessinateur et graveur, il aura aussi travaillé la sculpture. Il aura été un acteur essentiel de l’art du début du XXe siècle. En 1908, il rencontre Pablo Picasso, avec lequel il collabore dans les années qui suivent. Pour eux, la couleur n’est alors plus l’essentiel : ce qui compte, c’est le jeu avec les formes. Il s’agit aussi d’introduire du réel dans l’œuvre : chiffres, lettres et papiers collés envahissent la toile.

Yaacov Agam, Double métamorphose, 1968-69
Pour Yaacov Agam, l’image ne doit pas être une mais plusieurs, elle peut être transformée à chaque instant par le seul mouvement de celui qui regarde. D'abord, par des formes triangulaires parallèles, l’artiste crée une structure. Puis, par-dessus cette structure, il peint plusieurs thèmes. En se déplaçant devant, on peut voir ces thèmes se séparer, se recomposer. Ainsi, Agam joue avec les illusions optiques pour créer une image qui change en fonction de notre position, mais aussi de notre mouvement.

Né en Israël en 1928, Agam s’installe en France en 1951. Ses œuvres sont fondées sur trois principes : refus de la vision unique, figée, de l’œuvre ; prise en compte du rapport à l’espace ; utilisation des techniques industrielles modernes. En 1969, à la demande de Georges Pompidou, Agam aménage l’antichambre de l’Elysée. C’est le Salon Agam, visible dans les collections du Musée national d’art moderne. «Je travaille parfois avec deux cents couleurs sur la palette, dit-il : c’est d’une difficulté incroyable car, si une seule couleur saute, cela compromet l’ensemble ».

Josef Albers, Affectionate, Homage to the square, 1945
À partir des années 1950, et jusqu’à sa mort, en 1976, Josef Albers crée des milliers d'« hommages au carré ». Tous sont peints sur de l’isorel, un matériau dense, solide, qui se déforme peu. Au revers de chaque tableau, l’artiste écrit la recette des couleurs et les techniques utilisées. Dans un seul carré, plusieurs carrés. Les couleurs ne se touchent que le long des contours extérieurs de chaque carré. Aucune couleur n’en recouvre une autre. Nous avons la sensation que le rouge est derrière, dans une sorte de profondeur. C’est que, par le jeu savant du rapport entre les couleurs, l’artiste crée l’impression de perspective. « J’aime prendre une couleur très pauvre, dit-il, et la rendre riche, belle en travaillant sur celles qui l’entourent. Transformer le sable en or, voilà mon travail. »

Né en Allemagne en 1898, Josef Albers meurt en 1976 aux États-Unis. Étudiant au Bauhaus au début des années 1920, il suit les cours d’un grand théoricien moderne de la couleur : Johannes Itten. Dans cette école, créée en 1919 dans une ville allemande nommée Weimar, lui-même deviendra maître. C’est aussi un courant artistique important, qui touche à la fois la peinture, le design, les vêtements et l’architecture. On y pense, on y invente de nouvelles formes. En 1933, le Bauhaus est fermé par les nazis. L’artiste s’exile alors aux États-Unis où il passe le restant de ses jours. Professeur d’exception, il a toujours su lier son activité d’enseignant et son travail de peintre. En 1963, après huit ans de travail avec ses étudiants, il publie un livre théorique important : L’Interaction des couleurs.

III / La couleur seule

Expérience radicale inaugurée par le peintre russe Malevitch en 1918 avec son Carré blanc sur fond blanc, le monochrome – tableau ne contenant qu’une seule couleur - ne cesse, depuis, d'habiter l’histoire de la peinture. Sa naissance se confond avec celui de l’abstraction. Les motivations sont multiples : réduire le tableau à ses composantes essentielles pour inventer de nouvelles formes, pour rechercher de nouvelles sensations... C’est qu’à partir du minimum – une seule couleur – il est possible d’offrir des visions et des sensations tout à la fois riches, profondes et variées. Le dessin, les formes ont disparu ; la couleur devient souveraine. Pour Yves Klein, il s’agit de s'immerger, de contempler, de se perdre, il s’agit aussi d’explorer toutes les variations subtiles d'une seule et même couleur. En 1960, il invente même un bleu, qu’il nomme IKB, « International Klein Blue ».

Yves Klein, Monochrome orange, 1955
Plus qu’au regard, c’est à la contemplation qu’appelle Yves Klein. C’est-à-dire : à une manière de regarder tout à la fois lente et profonde. Pour lui, l’art s’adresse en effet à l’esprit et cherche à atteindre la sensibilité. Se confronter au tableau, c’est modifier, profondément, sa pensée. Afin d’être le plus neutre possible, il peint au rouleau. Entre 1955 et 1962, date de sa mort, il réalise ainsi presque deux cents monochromes. Les supports, les formats, les textures et les couleurs varient. Ce tableau est l’un des premiers du genre réalisés par Yves Klein. Un an plus tard, en 1956, il invente sa propre couleur, un bleu profond qu’il baptise IKB. International Klein Blue. Immatérielle plus que toute autre, cette couleur devient sa couleur de prédilection.

Né en 1928 à Nice, Yves Klein décède en 1962 d’une crise cardiaque. Il peint depuis son adolescence. Mais cette pratique est pour lui subordonnée à d’autres activités comme le judo auquel il s’initie en 1947, alors que cette discipline se veut une méthode d’éducation intellectuelle et morale visant à la maîtrise de soi. En 1955, il présente ses premiers monochromes. Un an plus tard, il entame son « époque bleue ». Ce choix de couleur est confirmé par un voyage à Assise où il découvre les ciels du peintre Giotto (1267-1337), en qui il reconnaît le véritable précurseur de la monochromie bleue qu’il pratique : uniforme et spirituelle. Ce bleu n’est cependant pas l’unique objet de son travail. À partir de 1960, il utilise l’or et le feu, peint parfois publiquement, se sert de femmes nues comme pinceaux.

IV/ La couleur en liberté

Au tout début du 20e siècle, dans la peinture classique occidentale, le choix de la couleur était encore presque toujours soumis au dessin et à la réalité. La couleur devait entrer dans une structure établie, par le dessin, mais aussi donner l’impression d’être vraisemblable. Depuis, nombre d’artistes ont inventé pour la couleur d’autres fonctions, d’autres possibilités. Ils l'ont libérée, en ont fait la source de jeux, d’inventions, de perceptions nouvelles, l’ont explorée, comme on le dirait d’un nouveau continent. Le sculpteur Alexander Calder peut ainsi évoquer des vols d’oiseaux jaunes et rouges, tandis que Fernand Léger figure des corps aux couleurs vives, uniformes, qui s’opposent les unes aux autres.

Alexander Calder, Deux vols d’oiseaux, 1954
Alexander Calder ne cherche pas à figurer, plutôt à évoquer. Les couleurs sont simples. Les formes sont presque abstraites. L’artiste emprunte au végétal, à l’animal, mais il simplifie. Ce qui compte, c’est le mouvement, la légèreté. Ici, l’œuvre est simplement animée par le déplacement de l’air. Parfois, il joue aussi avec des moteurs ou des manivelles. Ici, il ajuste le poids, les forces de l’acier afin de trouver l’équilibre. Une vingtaine d’années plus tôt, dans les années 1930, à Paris, il invente un nouveau type d'œuvre. Sculpture ? Peinture ? Ou bien, comme on l’a souvent suggéré, dessin dans l’espace ? Quoiqu’il en soit, l’artiste transforme la sculpture traditionnelle jusqu’alors fondée sur le poids, la masse, le socle, l’immobilité. Pour ces œuvres d’un nouveau type, il faut donc inventer un nom. C'est un autre artiste, Marcel Duchamp, qui trouvera ce nom : « mobiles ».

Calder naît en 1898 en Pennsylvanie. Il meurt à New York en 1976. Après une formation d'ingénieur qu’il saura plus tard mettre à profit dans son œuvre, il décide, au début des années 1920, de se consacrer à l’art. Il fréquente une école de peinture et de sculpture à New York, puis, en 1926, s’installe pour quelques années à Paris. C’est là qu’il réalise ses premières sculptures originales : des structures en fils de fer qui s’apparentent à des « dessins dans l’espace ». Franchissant un pas de plus dans la remise en cause de la sculpture classique, Calder réalise alors ses premiers mobiles qui, perfectionnés au fur et à mesure des années, lui apportent très vite une grande renommée. Parallèlement, il invente aussi les stabiles : de grandes tôles peintes, ancrées au sol, et qui jouent avec le vide.

Fernand Léger, Les Grands Plongeurs noirs, 1944
Les corps chutent, plongent, dansent, nagent. Ils sont cernés de lignes noires. Et les couleurs aussi sont en mouvement. Du moins, les oppositions colorées favorisent cette impression. Pour Fernand Léger, ces contrastes traduisent la vivacité du monde moderne. En octobre 1940, il quitte la France pour New York où il peint ce tableau. Plusieurs visions sont venues le nourrir : celle de jeunes nageurs dans le port, à Marseille, puis, plus tard, à New York, des projecteurs balayant les rues, les visages dans la nuit. Enfin, une foule de baigneurs nageant en tous sens dans une piscine. « À qui la tête, dit-il, à qui les jambes, les bras, on ne savait plus, on ne distinguait plus. Alors j’ai fait les membres dispersés dans mon tableau. »

Fernand Léger naît en 1881. Il meurt en 1955. Doué pour le dessin, il fréquente très jeune des écoles d’art parisiennes. Là, il rencontre le milieu artistique En 1913, il réalise une série de toiles qu’il nomme des « Contrastes de formes ». Ce sont des accumulations de cylindres, de tubes et de parallélépipèdes formés de contours noirs et de bandes de couleurs qui expriment un joyeux dynamisme. Pour lui, « la couleur est une nécessité vitale. C’est une matière première indispensable à la vie, comme l’eau et le feu ». Par la peinture, donc, Léger voudrait rendre aux hommes un élément qui leur est naturel mais qui leur manque souvent. À la fin de sa vie, il réalise des toiles monumentales et contribue, par ses œuvres et ses textes, à une réflexion sur le rôle de la couleur dans l’architecture.

V/ Couleurs en mouvement

Par le jeu des couleurs entre elles, mais aussi par l’interaction entre forme et couleur, il est possible de donner l’illusion du mouvement, de la vitesse ou du rythme. C’est, pour nombre d'artistes du 20e siècle – justement fascinés par le mouvement – une découverte qui ouvre à des expériences nourries entre autres par la science, les technologies ou la danse. Sonia Delaunay réalise un tableau où cercles, demi-cercles et contrastes colorés nous donnent avant tout la sensation du rythme. Olafur Eliasson sollicite quant à lui le mouvement de celle ou de celui qui regarde.

Sonia Delaunay, Rythme, 1938
Des disques, des morceaux de cercle, exclusivement. L’œil ne se fixe pas. D’une forme à l’autre, d’une couleur à l’autre, il bouge, il se promène. À gauche, des couleurs vives. À droite, des couleurs plus douces. Pour construire ce tableau, Sonia Delaunay s’appuie sur des théories scientifiques. Mais pour cette artiste, nourrie du folklore russe et des bals parisiens, la couleur est aussi et surtout une passion : « La vraie peinture commencera quand on comprendra que la couleur a une vie propre », dit-elle.

Née en Russie en 1895, Sonia Terk meurt en 1979. Elle s’installe à Paris en 1905. Là elle étudie, fréquente les expositions, les galeries, se voit introduite dans les milieux d’avant-garde. En 1909, elle épouse le peintre Robert Delaunay, avec lequel elle s’engage dans l’aventure de l'abstraction. Toutes les facettes de sa création traduisent son fort intérêt pour la couleur pure. Elle ne peint pas seulement des tableaux, mais aussi des vêtements, des costumes de bal ou de spectacles, décore des espaces ou bien illustre La Prose du transsibérien du poète Blaise Cendrars.

Olafur Eliasson, Your Concentric Welcome, 2004
Grâce à un moteur, Olafur Eliasson fait tourner un verre optique jaune, un verre optique rouge magenta et un disque-miroir auxquels il associe une lampe. Ce dispositif rappelle le cinéma : de la lumière projetée sur un écran. Mais s’il y a cinéma ici, c’est un cinéma sans histoire, sans personnage. Nous sommes dans une œuvre constituée de plusieurs éléments, dans un espace qui lui est propre. L’œuvre change en fonction de nos déplacements. Désireux que le public participe, l'artiste souhaite que nous nous posions des questions : qu’est-ce que l’acte de voir ? Quels sont nos réflexes, nos habitudes ? Comment regardons-nous ? Comment voyons-nous ? Avec les yeux ? Avec le corps ? Avec le cerveau ?

Olafur Eliasson est né en 1967. Artiste danois basé à Berlin, il a grandi en Islande, un pays qui l'a durablement marqué par sa richesse naturelle. Celle-ci a constitué le sujet de son œuvre, commencée dans les années 1990. Simultanément, il a développé un intérêt pour l’architecture et les expérimentations scientifiques. Utilisant des matériaux simples mais des technologies parfois élaborées, l’artiste modifie souvent la perception du lieu où son œuvre est installée. Ainsi met-il en œuvre, en 2003, à la Tate Gallery à Londres, une installation spectaculaire, The Weather Project : un soleil lumineux et des brumes envahissent un espace de la galerie. « L’expérience de la couleur – dit-il – est étroitement liée à l’expérience de la lumière et est, en plus, une question de culture. (…) Les Inuits, par exemple, n’ont qu’un mot pour le rouge, mais plusieurs pour le blanc. »

V/ La couleur et la vie

Niki de Saint Phalle, L’Aveugle dans la prairie, 1974
Il y a là deux sculptures distinctes, pourtant destinées à être montrées ensemble, pour signifier deux mondes différents entre lesquels toute rencontre est impossible. L’homme est gris, aveugle, absorbé dans la lecture du journal, incapable de voir les motifs colorés dont la paisible vache est emplie, fleurs, taches, rayures. Homme moderne, trop moderne, pressé, inattentif à la beauté qui l’entoure, quand bien même cette beauté se déploie de façon monumentale, quand bien même on ne peut pas la manquer. Un hommage à la couleur, donc. Un appel à ouvrir les yeux sur le monde, aussi, à lever la tête du quotidien pour contempler un autre quotidien : celui de la nature. Tout à la fois comique et monstrueux, ce travail nous propose d’être attentif à ce qui nous entoure.

Née en 1930, décédée en 2002, Niki de Saint Phalle a réalisé des tableaux, des sculptures, des ensembles et des films. En 1961, elle se fait connaître en organisant des séances de tir à la carabine sur des tableaux dans lesquels sont insérées des poches de couleurs. Les tirs font éclater les poches, et libèrent la couleur qui dégouline sur la toile. Les tableaux qui en résultent expriment la violence contenue de la jeune femme – qui s’approprie un acte plus souvent vu comme masculin. Mais ce sont surtout ses « nanas » qui l’ont rendue célèbre : des femmes aux formes généreuses, recouvertes de couleurs vives. C’est dans ce style que Niki de Saint Phalle réalise, notamment, en 1983 les sculptures de la fontaine Stravinsky qui se trouve à Paris, juste derrière le Centre Pompidou.

Bruce Nauman, Art Make Up, 1967-68
Au cinéma, avant de tourner, on se maquille. Mais avec ce film dans lequel il joue lui-même, l'artiste américain Bruce Nauman renverse les choses : c’est désormais le maquillage qui est le sujet du film. Ici, on le voit modifier la couleur de son visage. Il applique successivement quatre couleurs sur sa peau : du blanc, puis du rouge (ce qui donne du rose), puis du vert (ce qui donne du gris), enfin du noir, un noir très profond. « Être artiste, dit Bruce Nauman, c’est aussi se présenter, présenter un “moi” à travers son travail. Si vous ne voulez pas que le public voit ce moi, vous vous maquillez. »

Né aux États-Unis en 1941, Bruce Nauman travaille depuis les années 1960. Dans son œuvre, il fait appel à des formes différentes, utilise aussi souvent le langage. Celui qui regarde est amené à expérimenter l’espace, le temps, la violence et aussi parfois – comme ici – l’œuvre en train de se faire. La vie, la mort, l’amour, la haine, le plaisir, la douleur : ces mots apparaissent dans une œuvre lumineuse de l’artiste. « Fondamentalement, dit-il, mon œuvre est issue de la colère que provoque en moi la condition humaine. Ce qui me met en fureur, c’est notre capacité de cruauté, la faculté qu’ont les gens d’ignorer les situations qui leur déplaisent. Ce qui me fascine aussi, c'est de voir comment la colère ordinaire, et même la haine que l’on peut ressentir pour quelqu'un, se transforme en haine culturelle. »

Le Centre Pompidou mobile : une médiation originale.

La démarche de médiation du Centre Pompidou mobile, conçue par les équipes du Centre Pompidou, offre à chaque public un accompagnement adapté. Il s’agit d’une démarche réfléchie spécifiquement pour des personnes peu ou pas familières de l’art moderne et contemporain, afin qu’une visite réussie dans ce Musée nomade leur donne envie de vivre plus souvent l’expérience unique du rapport à l’œuvre originale.

Les groupes, et notamment les groupes scolaires, se verront réserver la majorité des créneaux de visite en semaine, avec deux propositions spécifiques.

Pour les enfants de 4 à 10 ans, un parcours ludique et sensoriel

Le parcours s’appuie sur des outils pédagogiques spécifiquement conçus autour de la thématique de la couleur, pour une sensibilisation à l’art avec comme parti pris de « FAIRE POUR MIEUX VOIR », ou en d’autres termes « expérimenter pour regarder autrement les œuvres.».

Trois parcours sont proposés, Bleu, Rouge, Jaune : chaque parcours s’organise autour de sept œuvres, réparties dans chaque espace d’exposition, afin de permettre la visite de deux groupes en même temps.

Bleu, Rouge, Jaune, trois caddies colorés, aux multiples poches origami, livrent leurs surprises tout au long de la visite. Devant chaque œuvre du parcours, le médiateur, tel un prestidigitateur, sort un outil, élément déclencheur pour stimuler le regard et favoriser la participation de chacun : lunettes de couleur pour voir la vie en bleu, jaune, rouge, nuanciers de couleurs, toupie optique, ardoises graphiques, étiquettes de mots pour élargir son vocabulaire sensoriel, cartes à colorier … Chaque œuvre et chaque outil permettent d’aborder des notions liées au thème de la couleur : la palette, la matière, la touche, l’illusion optique, les contrastes simultanés, la composition… Le dialogue avec l’animateur accompagne cet apprentissage du vocabulaire de l’art.

La démarche pédagogique sollicite plusieurs sens : la vue, le toucher, l’ouïe, avec des approches individuelles et collectives. Offrir aux enfants de multiples entrées, proposer des pistes tout en laissant ouvert l’imaginaire : Regarder (la palette de bleus du tableau de Pablo Picasso avec un nuancier), observer (de près la touche et la matière des jaunes de l’œuvre de Frantisek Kupka avec des détails agrandis), manipuler (des carrés de couleur devant l’œuvre de Josef Albers), bouger (devant l’œuvre de Yaacov Agam), écouter (des environnements sonores devant l’œuvre d’Yves Klein)… inventer des jeux d’associations ( bleu infini, rouge colère, jaune sucré…), changer de point de vue (devant l’œuvre de Niki de Saint Phalle) …autant d’actions pour rythmer la visite, renouveler l’attention des enfants et susciter plaisir et émerveillement devant chaque œuvre.

Pour les collégiens, les lycéens, et les adultes peu familiers des Musées, un voyage scénarisé dans la couleur

Une double volonté anime cette proposition: produire une médiation simple, essentiellement constituée – via le détour de l’écoute - de stratégies pour amener le visiteur à regarder. Ce parcours sensible fait la part belle au son et à la musique. Il se fonde sur un personnage de fiction, un médiateur à la voix défaillante, manquante parfois. S’adresser aux sens, c’est sortir du cadre scolaire, pour entrer de plain-pied dans l’univers artistique. Sa conception a été confiée à un metteur en scène, Emilie Rousset, et à un designer sonore, Romain Vuillet, sur la base d’un texte élaboré par le responsable de la médiation du Centre Pompidou. Ceux qui souhaitent plus de contenu ne sont pas oubliés : un dépliant sera donné à chacun en fin de visite. Le dossier pédagogique pourra être consulté en ligne. Les enseignants sont invités à se servir de ces documents pour préparer en amont ou compléter en aval la visite. Celle-ci doit alors privilégier un regard approfondi sur les œuvres.

Le son, la musique.
L’utilisation de la musique et du son représente un triple intérêt : sa force d’immersion (le son concentre, aide à regarder), sa séduction naturelle et la possibilité qu’il offre de faire entendre, de montrer les correspondances entre les arts.

Un personnage de fiction.
Ce personnage est un médiateur qui ne l’est plus tout à fait, handicapé qu’il est parfois par ses problèmes de voix. Ce handicap le rend sans doute sympathique. Communément vêtu, il fait avant tout œuvre d’hospitalité. Le comédien qui l’incarne joue à peine. Ludique, le ton qu’il adopte permet de démystifier les œuvres, de se les approprier plus facilement, plus sereinement

Un dispositif de regard.
Le parcours aborde l’ensemble des œuvres présentées, mais à chacune ou presque, un nouveau regard, une nouvelle histoire. Ainsi, le changement permet à la fois de répondre à variété des œuvres, mais aussi de surprendre.

Cette visite scénarisée sera proposée aux collégiens, aux lycéens, aux publics associatifs, notamment du champ social, et également, à heures fixes les fins de semaine, aux publics adultes et en famille.

Pour les publics individuels, une gamme complète d’aides à la visite

Ceux qui ne voudront ou ne pourront suivre les visites scénarisées, auront le choix entre plusieurs modalités d’accompagnement :
- Un audio guide gratuit, avec deux niveaux de parcours, l’un adapté aux adultes, l’autre aux enfants. Cet audio guide sera proposé en français et en anglais à Chaumont et Cambrai, ainsi qu’en flamand à Boulogne.
- Un document d’accompagnement, commentant chaque œuvre et présentant chaque artiste, dans un langage volontairement accessible
- Des textes dans les modules d’exposition, explicitant les grands chapitres de l’exposition.

Pour les publics handicapés, une offre spécifique de visites :
Ces visites, en langue des signes pour les visiteurs sourds, en lecture labiale pour les personnes malentendantes, et en audio description pour les visiteurs aveugles et malvoyants, seront proposées sur demande aux groupes constituées, et le cas échéant une fois par mois le samedi à heure fixe pour les publics individuels. Elles seront assurées selon les cas par des conférenciers spécialisées du Centre Pompidou ou de la région d’accueil.

L’ensemble de ces offres de médiation, conçues par le Centre Pompidou, sont proposées gratuitement au public, en étroite collaboration avec les collectivités d’accueil : les comédiens et animateurs des parcours sont notamment recrutés localement et formés par les équipes du Centre Pompidou. Un travail spécifique de développement de publics est également pris en charge par les collectivités, via la mobilisation à la fois des relais éducatifs et des associations, notamment celles travaillant avec les publics les plus éloignés de la culture.