Edvard Munch

Présentation de l'exposition,

par Angela Lampe et Clément Chéroux, conservateurs au musée national d'art

moderne.

Edvard Munch est parfois considéré comme un artiste du 19e siècle, un peintre

symboliste ou pré-expressionniste. Une idée reçue en fait aussi un artiste

reclus, en proie à de violentes angoisses, dépressif, une âme tourmentée.

L’exposition montre, à rebours de cette mythologie, que Munch était ouvert aux

débats esthétiques de son temps, et qu’il a entretenu un dialogue constant avec

les formes de représentation les plus contemporaines : la photographie,

le cinéma et le théâtre de son époque. Il ira jusqu’à faire lui-même

l’expérience de la photographie et du film, osant des autoportraits qu’il est

sans doute le premier à avoir réalisés, à bout portant, en tenant l’appareil

d’une main : « J’ai beaucoup appris de la photographie, déclare-t-il. J’ai une

vieille boîte avec laquelle j’ai pris d’innombrables photos de moi-même. Cela

donne souvent d’étonnants résultats. Un jour lorsque je serai vieux, et n’aurai

rien d’autre de mieux à faire que d’écrire mon autobiographie, alors tous mes

autoportraits ressortiront au grand jour. » (Edvard Munch, interviewé par Hans

Tørsleff, 1930)

Munch était pleinement « moderne », c’est la thèse que défend cette exposition

que lui consacre le Centre Pompidou, avec cent quarante oeuvres, dont une

soixantaine de peintures, cinquante photographies en tirages d’époque, des

oeuvres sur papier, des films et l’une des rares sculptures de l’artiste. À

travers neuf thèmes, elle présente un ensemble comme il a rarement été

possible d’en voir, associé à ses expérimentations photographiques et

filmiques. Visite en neuf points :

REPRISES

Variantes, copies, autant de termes qui pointent un aspect essentiel dans

l’oeuvre de Munch, c'est-à-dire la répétition d’un même motif. Décontextualisé,

il s’apparente alors à un signe autonome. Il existe, par exemple, sept versions

des Jeunes Filles sur le pont, sans compter les adaptations graphiques.

Quelques chefs-d’oeuvre de sa période symboliste dialoguent aussi avec leurs

reprises tardives, peintes souvent dans un style plus expressif où le contour

se dissout et où la couleur s’intensifie.

PHOTOGRAPHIES

Comme les peintres Pierre Bonnard et Édouard Vuillard, Edvard Munch fait partie

d’une génération qui, au tout début du 20e siècle, s’empare de la photographie,

en amateur. Sa pratique photographique est centrée sur l’autoportrait. En

dehors de quelques images d’espaces liées à ses souvenirs, l’artiste se

photographie principalement pour se dévisager. Ses autoportraits

photographiques trouvent ici leur vraie valeur, celle d’expérimentations

visuelles.

L’ESPACE OPTIQUE

Munch traite de l’espace de façon très singulière : il fait souvent référence,

dans son utilisation de premiers plans proéminents ou de lignes diagonales très

prononcées, aux nouvelles technologies visuelles comme la photographie en

relief ou le cinéma, dans leur capacité à produire des images qui sortent de

l’écran pour avancer vers le spectateur.

EN SCÈNE

Depuis ses premiers portraits en pied, Munch s’intéresse à la frontalité des

modèles qui posent comme des statues, dans une attitude hiératique et figée.

Inspiré par les innovations de Max Reinhardt, fondateur des Berliner

Kammerspiele, le peintre accentue sa façon d’inclure le spectateur dans

l’espace du tableau. La série La Chambre verte, conçue comme une boîte

ouverte, en témoigne. Munch ne reste pas insensible aux nouveaux effets visuels

introduits par l'éclairage électrique sur les scènes des théâtres.

REMÉMORATION

La reprise de certains motifs, resserrée sur une période très courte, touche

parfois pour Edvard Munch à l’obsession. La première sensation vécue s’imprime

sur la rétine comme une image indélébile qui hante l’artiste. Il s’agit en

l’occurrence de la rencontre avec le modèle Rosa Meissner en 1907 qui, sous les

traits d’une Femme en larmes, apparaît sur une photographie et de nombreuses

peintures, dessins, gravures et lithographies. Le peintre lui dédie même une de

ses rares sculptures en bronze. Munch cherche à se rapprocher de son souvenir

de toutes les façons possibles.

DÉMATÉRIALISATION

La dualité entre matérialité et immatérialité, une oscillation entre présence

et effacement constitue un autre thème central dans l’oeuvre d’Edvard Munch. À

l’instar de ses photographies, plusieurs de ses peintures les plus importantes,

comme Le Soleil et La Nuit étoilée, jouent sur des phénomènes de transparence

où la matière se mue en une présence fantomatique et éphémère. De la même

manière, la surimpression de motifs peints évoque avec leur effet « bougé » les

expérimentations sur Celluloïd, par la photographie et par le film. La

dissolution des formes progresse sur certaines toiles, annonçant le tachisme

d’après-guerre.

FILM

Lors de l’été 1927, peu après l’acquisition à Paris d’une caméra amateur et

d’un projecteur, Munch filme à Dresde, Oslo et Aker. On retrouve, dans ces

quatre courtes séquences, son intérêt pour la ville et sa circulation autant

que pour les paysages, les portraits de ses proches et même l’autoportrait. Il

adopte pour ces images un mode filmique très « gestuel », à l’opposé de

l’immobilité préconisée dans la photographie amateur, en suivant des objets

mobiles ou

en réalisant des panoramiques urbains. Ses films s’apparentent davantage à des

notes visuelles.

LE MONDE RÉEL

Edvard Munch n’est pas uniquement le peintre de l’angoisse intérieure. Grand

lecteur de la presse nationale et internationale, il était aussi inscrit dans

l’actualité de son temps et tourné vers l’extérieur. Une grande part de son

oeuvre s’appuie sur les motifs croqués sur le vif. Beaucoup de

ses tableaux sont inspirés de scènes saisies dans la rue, d’incidents rapportés

par la presse ou la radio. Il raconte des histoires en séquences, un mode très

moderne qui n’est pas étranger au traitement du fait divers.

LE REGARD RETOURNÉ

Depuis ses premières années jusqu’à ses dernières oeuvres, l’artiste n’a cessé

de scruter son propre visage, d’observer les effets du passage du temps sur son

corps et ses sens à travers ses autoportraits. Dans les années 1930, lorsqu’il

est atteint d’une maladie de l’oeil – une hémorragie provoque une brusque perte

de vision à droite – il peint et note au jour le jour les effets de cette

dégénérescence. Sa dernière oeuvre – présentée dans l’exposition – est un

autoportrait.

Londres - Tate Modern