Abstraction et musique

Peindre, écouter, voir

Abstraite par nature, la musique a constitué une source fondamentale pour la construction de ce nouveau langage qu’est l’abstraction en peinture.  

Pour quelques artistes du tout début du 20^e siècle, cette nouvelle expression plastique est le fruit d’une profonde remise en question du lien entre les peintres et la représentation du « dehors ». Se libérer de la reproduction de la réalité visuelle au profit de formes plus dynamiques, symboliques ou imaginaires, telle est l’idée qui germe dans les esprits des artistes comme Vassily Kandinsky, František Kupka, Franz Marc ou Paul Klee. La musique leur fournit une importante source d’inspiration et les conduit à la conception de toiles construites comme des symphonies chromatiques. Des « accords » colorés, des gammes de tons, des intensités de vibration et des compositions mystérieuses donnent naissance à cette nouvelle subjectivité aux résonances infinies qui s’installe peu à peu sur la surface de la toile.   

Un tournant décisif s’opère alors dans le monde des arts plastiques qui s'émancipe de la tradition séculaire de la représentation du réel. 

Vassily Kandinsky grandit entre Moscou et Odessa dans le milieu de la grande bourgeoise où la musique est omniprésente. Sa mère joue du piano, son père de la cithare. Il est très tôt initié au solfège et pratique le violoncelle avec excellence.

Dans une correspondance de 1902, il écrit que « la musique est une des oppositions les plus grandes à la nature […] Elle a pris à la nature sa profondeur même, dissimulée sous la forme extérieure. Elle est l’âme résonnante de la nature. »¹

Dès 1908, Kandinsky réalise des œuvres qui sortent du cadre de la peinture de chevalet. Ses « compositions scéniques » sont des pièces musicales pour lesquelles il rédige des textes, crée des scénographies, des chorégraphies et des musiques. À cette époque, il travaille avec le compositeur Foma Gartman (alias Thomas de Hartmann). Kandinsky est également un musicien amateur éclairé qui fréquente assidûment les concerts. À Moscou en 1910, outre ses amis du cercle artistique avant-gardiste du Valet de Carreau dont Mikhail F. Larionov et Natalia Gontcharova, il fréquente les musiciens.

Mais c’est en 1911 que Kandinsky vit un choc émotionnel et esthétique à Vienne, en assistant à un concert du compositeur viennois Arnold Schönberg. À tel point que Kandinsky l’ajoute dans la nouvelle édition de son ouvrage majeur, Du Spirituel dans l’art, en le mentionnant comme le compositeur le plus radical de l’époque. Kandinsky fait la promotion de sa musique à Moscou et Saint-Pétersbourg, et entretient une correspondance avec lui pendant 20 ans.

La découverte de la musique de Schönberg a un retentissement majeur dans l’œuvre de Kandinsky à partir de 1912 comme en témoigne par exemple Mit dem scharzen Bogen (Avec l’arc noir).

Dans un manuscrit intitulé Unterschied mit Musik dans lequel il établit les différences entre la peinture et la musique, Kandinsky explique que « la peinture n’imite pas la musique, en se faisant 'musicaliste', elle garde son autonomie, elle imite la nature en ce que comme celle-ci elle va au cœur des rythmes du monde sensible », ou encore que « la peinture est plus riche dans le choix des formes et par cela même plus imprécise [que la musique]. On n’atteint jamais un son discordant [Mißklang] direct, une dissonance. »²

1. In Correspondances de Kandinsky 1889-1916, Jessica Boissel, 2007)

2. In Jean-Claude Marcadé, Kandinsky-propagandiste de la musique et de la doctrine de l’harmonie de Schönberg, 2016

Ami de Vassily Kandinsky, le peintre suisse-allemand Paul Klee, né en 1879 à Berne, pratique lui aussi la musique depuis son enfance, jouant principalement du violon, également du piano, et conserve cette passion pour la musique pendant toute sa vie. Devenu un soliste de haut ­niveau, il interprète des œuvres de ses deux compositeurs fétiches, Bach et Mozart. Il dévore, parfois avec l'oreille intransigeante de l'érudit, toutes les représentations de Mozart et Wagner.  

À 25 ans, Paul Klee est encore tiraillé entre deux mondes, la musique et les beaux-arts. Renonçant à un poste de violoniste dans l'orchestre de Berne, il opte finalement pour des études d'art. Admirant Stravinsky, Schönberg et Debussy tout en restant toujours passionné par Bach et Mozart, Klee n'a de cesse cependant d'analyser leurs méthodes de composition, et de s’en inspirer ensuite dans ses compositions picturales comme dans son enseignement.

Coloriste magistral, Klee est capable de créer des harmonies musicales, se servant de la ligne et du point comme des éléments mélodiques. Les couleurs sont traitées comme les différentes voix d’une composition créant une véritable « musique à voir ».

Il produit également de nombreuses aquarelles et toiles sur les thèmes du mouvement ou du rythme (impression de mouvement et pause), ainsi que de la polyphonie (superposition de plusieurs motifs dans une même composition). Il utilise lui-même le terme « Polyphonies » pour définir ses toiles du début des années 1930.

Paul Klee applique ces concepts théoriques liés à la musique dans son enseignement, en tant que professeur au Bauhaus de 1921 à 1931.

Dans son livre La Création dans les arts plastiques, rédigé entre 1910 et 1913, soit au moment où il entre dans l'abstraction, František Kupka souligne la différence entre les arts qui se déroulent dans le temps comme la musique, la poésie et la danse, et les arts plastiques qui imposent au spectateur l’instant pour appréhender d’un seul bloc des sources d’émotions qui ailleurs peuvent apparaître de manière successive.  

« À la différence des arts du verbe, des sons ou du geste, qui ne peuvent être compris qu'en se déroulant dans le temps – le poète allant de mot en mot, le musicien de note en note, le danseur d'attitude en attitude –, les arts plastiques appartiennent intégralement au moment présent, mettant sous nos yeux, en bloc, des sources d'émotion qui, ailleurs, n'entrent en jeu qu'à tour de rôle. »

Toutefois Kupka reste prudent sur l’équivalence de la sonorité et des couleurs qui, selon lui, sont subjectives, se méfiant du pouvoir d’évocation de la musique, tout comme de son illustration narrative.

Il s’inspire de la musique de Bach qu’il considère comme la plus pure, la plus synthétique, la plus proche de son idéal spirituel, aussi bien que de celle « impressionniste » de Debussy, plus « évocative » en images, comme Danse macabre, Tempête.

Fils d’un pasteur et instituteur calviniste, Piet Mondrian, s'installe à Paris en 1912. Il découvre le cubisme et évolue obstinément vers une radicalisation extrême de l’abstraction. Avec le peintre Theo van Doesburg, il fonde le Néoplasticisme, un mouvement artistique né aux Pays-Bas. Créé à partir de la revue De Stijl fondée en 1917 par Van Doesburg et théorisé par Mondrian par la synthèse des arts, de l’architecture et des arts appliqués, il se caractérise par la pratique d'un art abstrait, austère et géométrique.

Mondrian fréquente assidûment le Bal Blomet, non loin de la rue du Départ dans le 14^e arrondissment de Paris où il a installé son atelier-lieu de vie. Il y découvre la musique noire et danse sur les rythmes effrénés syncopés du Bal Nègre et du ragtime, ancêtre du jazz.

Mondrian assiste également en 1921 à des concerts des Bruiteurs futuristes, qui composent des morceaux musicaux reproduisant les sons de l’environnement urbain et industriel. Il apprécie que les Bruiteurs aient remplacé le naturalisme par le réalisme en musique. Ce mouvement a été en grande mesure sous l’influence du peintre et compositeur italien Luigi Russolo. Il découvre également le travail d’avant-garde du musicien français Edgard Varèse.

En 1940, Mondrian quitte l’Europe en guerre pour se réfugier aux États-Unis, après avoir passé presque trente ans à Paris. Installé à New York, cette ville devient une source d’inspiration nouvelle, un élan pour sa création et le lieu d’une reconnaissance tardive. Il découvre, les clubs, la musique de Duke Ellington et le boogie-woogie.

D’origine ukrainienne, Vladimir Baranoff Rossiné, né en 1888, étudie la peinture à Odessa puis à Saint-Pétersbourg. Il s’intalle à Paris en 1910, y découvre le cubisme avant de repartir en Russie en 1917, puis il revient à Paris définitivement en 1925.

L’artiste est aussi sculpteur. Il réalise des assemblages en bois polychromes, géométriques préfigurant les constructivistes russes qu’il côtoyait pendant la révolution.

Baranoff Rossiné est aussi l’inventeur du piano optophonique, projet sur lequel il commence à travailler dès 1907.

Artiste aux multiples expériences, Baranoff Rossiné meurt dans le camp de concentration d’Auschwitz en 1944.