Chevreuse

Nulle perspective, nul horizon pour cette grande peinture. Riopelle dira avoir toujours été abstrait. Pour lui, le tableau ne reproduit pas un lieu précis mais la sensation physique qu’on éprouve au contact de la nature, son « unique référence ». On entre et on se perd, enfoui dans la multitude des touches de couleurs. Sont-ce sa jeunesse au Canada, les grands espaces et les forêts qui lui ont donné cette force première de peindre « sans image » ? Une « peinture de l’instant », a écrit Pierre Schneider, et Riopelle d’expliquer : « Sur l’eau, tu n’as pas l’impression du temps. » Depuis 1949, les petites touches de peinture travaillées au couteau saturent la surface du tableau pour offrir une texture dont la densité semble restituer le foisonnement infini du monde, tout en préservant l’unité de la toile. Tout l’espace du tableau est pris dans un mouvement tournoyant qui inspire cependant un certain calme. Comme il le dira lors d’un entretien, Riopelle exécute ses peintures « d’une seule traite », à raison d’une ou parfois dix toiles sans s’interrompre, par crise, mais il ne s’agit pas de la violence d’un Kline ou d’un Pollock. Dès 1947, Riopelle a abandonné les États-Unis pour s’installer en France – un espace davantage rêvé que vécu, tel qu’en parle Gaston Bachelard –, un peu à la manière d’un Van Gogh, qu’il avait pu admirer en Amérique. Durant ses années de jeunesse au Canada, Riopelle avait participé pendant un an au groupe des Automatistes – qui se référaient au surréalisme pour se libérer de l’académisme ambiant. Breton a d’ailleurs préfacé le catalogue de son exposition personnelle à La Dragonne (Galerie Nina Dausset) en 1949.

Claude Schweisguth

Source :
Extrait du catalogue Collection art contemporain - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Sophie Duplaix, Paris, Centre Pompidou, 2007