Victims

Après un séjour de cinq années en France où elle mène discrètement, auprès de son mari Leon Golub, une carrière de peintre figuratif dans une veine expressionniste, Nancy Spero change radicalement de style et de contenu lors de son retour aux États-Unis en 1964. En effet, de 1966 à 1970, elle développe un travail graphique et engagé, dont la violence est dirigée autant contre la position des États-Unis dans la guerre au Vietnam que contre un monde de l’art largement masculin où la femme n’a que trop peu de place. Aussi, l’iconographie de cette série intitulée « The War », qui met en parallèle l’agressivité des armes et celle de sexes masculins, fait de Nancy Spero l’une des pionnières d’un art engagé où le féminisme n’est qu’un volet d’une révolte contre la violence d’un monde écrasant les minorités, les exclus, qu’il s’agisse de la torture physique ou de l’effacement de leur témoignage. Victims présente la force visuelle d’une allégorie : le corps s’efface au profit d’une représentation simplifiée du cri de la victime, un trait vertical, tandis qu’au sommet de la composition, deux visages affrontés symbolisent le combat. Cadavres, corps souffrants, agresseurs partagent la même couleur, le même visage, dans une composition quasi abstraite : la tension entre l’aspect décoratif, parfois précieux, de l’œuvre, et la violence du contenu est une caractéristique de la série, puis du travail de Nancy Spero. Histoire personnelle, histoire événementielle et Histoire tout court coïncident, dans un œuvre qui, comme celui d’Antonin Artaud (auquel l’artiste consacrera deux séries ultérieures), relève de l’exorcisme.

Juliette Singer

Source :
Extrait du catalogue Collection art contemporain - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Sophie Duplaix, Paris, Centre Pompidou, 2007

Après un séjour de cinq années en France où elle mène discrètement, auprès de son mari Léon Golub, une carrière de peintre figuratif dans une veine expressionniste, Nancy Spero change radicalement de style et de contenu lors de son retour aux États-Unis en 1964. De 1966 à 1970, elle développe un travail graphique dont la violence est dirigée autant contre l’engagement des États-Unis dans la guerre au Viêtnam que contre un monde de l’art largement masculin, qui ne laisse que peu de place aux femmes. « The War Series : Bombs and Helicopters », dans laquelle se mêlent, et sont mises en parallèle, l’agressivité des armes et celle des sexes masculins, la révèle comme une des pionnières d’un art contestataire aux États-Unis, où le féminisme n’est qu’un aspect d’une révolte globale contre la violence d’un monde écrasant les minorités, les exclus, effaçant leur témoignage, et tolérant la torture physique.

Victims possède l’efficace visuelle d’un manifeste contre la guerre, contre la jouissance mâle qu’elle procure, dont Spero livre le symbole : le corps s’efface au profit d’une représentation simplifiée du cri – un trait vertical, l’érection d’un pénis – et d’une série d’explosions de gueules crachantes et sanglantes. Cadavres, corps déchiquetés, agresseurs, attaquants – tous victimes – sont de la même couleur, offrent le même visage, dans une composition quasi abstraite d’arcs symétriques et identiques, se dispersant dans l’espace comme une pluie de rockets. Le titre du dessin, comme d’autres de « The War Series » – Sperm Bomb, The Male Bom, Love to Hanoi –, renforce la double charge contre le machisme et la folie guerrière.

La tension entre la beauté du dessin, parfois précieux, et la violence du contenu – ambiguïté qui est celle de tout spectacle de guerre et de sang – est une caractéristique de la série, puis du travail de Nancy Spero. Histoire personnelle, histoire événementielle et Histoire tout court coïncident dans une œuvre qui, comme celle d’Antonin Artaud (auquel l’artiste consacrera deux séries ultérieures), relève de l’exorcisme.

Camille Morineau

Source :
Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008