Cultures d'avenir 2024 - Centre Pompidou

Cultures d'avenir 2024, thème de la ville : vue sur Paris depuis le jardin de Belleville — © Centre Pompidou

Présentation

Le Centre Pompidou et la Gaîté Lyrique à Paris, la Haus der Kulturen der Welt (HKW) à Berlin et le Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) lancent la troisième édition de Cultures d'avenir, avec le soutien de l'Office franco-allemand pour la jeunesse (OFAJ).
À travers 3 séminaires de 3 jours (à Berlin, Paris et Barcelone), le programme invite de jeunes cinéastes et artistes audiovisuels à repenser la façon dont les pratiques artistiques abordent et croisent les enjeux de société, et comment l'art et la culture peuvent prendre en considération les défis contemporains. Les quatre institutions organisatrices composeront les programmes de ces séminaires, dans une posture d’accompagnement à la création et de partage de connaissances.

« Renouveler l’imaginaire des villes »

L'édition 2024 abordera le thème des villes, qui, de symboles de liberté et de modernité, sont devenues dans notre imaginaire, le cadre hostile de la vie contemporaine. Les villes sont-elles devenues le pire de ce que la mondialisation peut offrir ? La ville comme paradigme est-elle devenue obsolète ? Longtemps, la ville a été synonyme d’hospitalité et de coexistence cosmopolite, de liberté et d’émancipation, de construction politique et d’identités collectives. Est-ce encore le cas aujourd’hui ?

Programme

Le programme de 2024 sera conçu autour du médium/langage du cinéma : films de fiction ou de non-fiction (films, documentaires, films expérimentaux, animation…) À la fin du programme, les participant·es devront avoir produit une pièce de 5 minutes à projeter.

Le projet sera également l'occasion pour 15 participant·es de constituer un réseau international de jeunes cinéastes et artistes audiovisuels. Au fil des trois séminaires, ils et elles auront l'occasion de partager leurs projets avec d'autres artistes et de réfléchir à leur propre travail. Cette démarche collective de réflexion critique et d'apprentissage sera accompagnée du soutien d'un groupe d'expert·es de différentes disciplines qui les aideront à réfléchir à la manière dont leurs démarches artistiques peuvent être mises en perspective.

Le programme comprend :

Trois séminaires en présentiel avec un programme intensif de masterclasses, ateliers, rencontres…
- Berlin, du 1^er au 5 juillet 2024
- Paris, du 11 au 15 septembre 2024
- Barcelone, du 19 au 23 novembre 2024
La prise en charge des frais de déplacement à l'étranger (voyages, hébergement, déjeuners et 1 dîner par séminaire)
Une bourse de production de 2 000 € pour chaque participant·e

Processus de sélection :

Une équipe de représentant·es du Centre Pompidou, de la Gaîté Lyrique, de HKW et du CCCB évaluera toutes les candidatures.

Artistes

Le programme Cultures d'avenir 2024 rassemble 14 artistes, âgés de 18 à 30 ans.

Lucia Alonso Santos

Lucia Alonso Santos, née à Grenade en 1998, a étudié la cinématographie à l’Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC), où elle a obtenu son diplôme en direction de la photographie. Actuellement en master en réalisation à Elías Querejeta Zine Eskola, elle développe son travail dans le domaine de la photographie, des clips, de la non-fiction et des essais vidéo, attirée par l’expérimentation cinématographiques, à l’aide de dispositifs numériques et lumière.
Son essai vidéo In Memoriam a été sélectionné à Filmadrid (2020) et distribué par MUBI. Son travail aborde la question de la relation entre l’identité et l’espace, incarnée avec force dans Who witnessed the temples fall, son premier long métrage. Son prochain film est en préparation et elle travaille sur la pièce expérimentale Mis manos en tu pelo, pelo.

Alba Bresolí

Alba Bresolí (Muntanyola, 1995) est titulaire d’une licence en communication et réalisation de films, ainsi que d’un master en documentaire créatif de l’Université Pompeu Fabra.

El día que volaron la montaña (2022), son court métrage documentaire, a été nommé pour les Gaudí Awards et projeté dans des festivals de cinéma nationaux et internationaux tels que l’IDFA, le Documentamadrid, le Sheffield DocFest, Malaga, le D’A Film Festival, etc. El bon auguri, son quatrième court-métrage, traite du sujet de la résistance en milieu rural. Elle mêle son travail de cinéaste avec des projets artistiques et la programmation de festivals de cinéma tels que DocsBarcelona, GoShort, Memorimage et Mostra VOC.

Juliana Brousse

Juliana Brousse est une jeune réalisatrice et photographe française. Elle a étudié la littérature et l’histoire avant de faire un master d’études cinématographiques avec une spécialisation documentaire à l’Université Paris VII, puis a intégré le département Image de la Fémis en 2018. Elle travaille avec le Laboratoire Argentique du collectif Curry-Vavart, le Carré rouge, et régulièrement avec Le Doc, un autre collectif d’artistes à Paris.
À travers ses photographies et ses films, elle s’intéresse aux gestes des bateliers, des ouvriers du bâtiment, des cimetières, etc. Les chantiers de construction et de démantèlement, ainsi que les matériaux et leurs origines, font partie de ses recherches. Elle termine actuellement Les Amarrés, son premier moyen métrage produit par Unexpected Films.

Dario Campo

Dario est un·e cinéaste blanc, valide et queer basé à Berlin.
Iel a commencé comme monteur pour la télévision allemande pour ensuite développer ses propres projets. Depuis 2021, iel étudie la réalisation documentaire à filmArche, une société auto-organisée, où iel réalise et produit principalement ses propres films. Son premier court métrage documentaire Breaking the binary se concentre sur la vie de trois jeunes non-binaires dans leur parcours d’identité de genre et a été présenté l’année dernière.
Dario préfère travailler dans des environnements collectifs et non hiérarchiques, d’où est né Willst du mit mir sterben ? Ce documentaire intergénérationnel aborde la (co-)existence et la mort au sein de la communauté queer. Avec Planet Anthurium, iel propose de nouvelles formes de représentations sexuelles et explore le monde des films obscènes queer.

Karisma Ekeh

Karisma Ekeh est un artiste né à Lagos, au Nigeria, et basé à Düsseldorf, en Allemagne. Depuis 2020, il étudie à l’Académie des arts de Düsseldorf dans les classes de Dominique Gonzalez-Foerster, Ellen Gallagher et Danica Dakic.

Son court-métrage, Negro Alter Ego: The Origin, a été présenté au Festival international du court-métrage d’Oberhausen en 2022. Le travail de Karisma transcende les frontières collaboratives et interdisciplinaires, alliant cinéma, mode, pratiques curatoriales, performance et poésie.

Occitane Lacurie

Occitane Lacurie est doctorante à l’École des Arts de la Sorbonne à Paris, journaliste de cinéma et vidéaste-essayiste. Elle s’intéresse à l’archéologie des médias et à la manière dont les équipements ou les logiciels peuvent être utilisés pour dévoiler des phénomènes invisibles et des chapitres inédits de l’histoire des idées.

En tant que critique de cinéma, elle est membre du comité de rédaction de la revue cinématographique française Débordements et participe au podcast culturel de Mediapart, L’Esprit critique. Ses articles portent sur l’histoire oubliée de la critique féministe française et sur la manière dont les images peuvent être considérées comme des discours politiques cristallisés.

Ses œuvres vidéo ont été présentées dans plusieurs festivals internationaux tels que le Festival du film de Pesaro (prix de la compétition ReEdit 2022), Cinéma du Réel (sélection parallèle 2021), En Temps Réel (2024), Festival du film de Mariendbad (sélection Video Essay 2024). Elle explore la manière dont l’histoire matérielle des médias peut être racontée en réutilisant les images produites par le tissu audiovisuel de la réalité.

Amira Louadah

Amira Louadah est une artiste et designeuse multidisciplinaire. Ayant grandi dans un environnement multilingue en Algérie, elle perçoit les langages – vidéo, photo, couleurs, objets – comme des supports pour communiquer au-delà des mots, par la sensation. Diplômée de l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle (ENSCI–Les Ateliers, Paris), elle applique sa vision analytique et stratégique du design à son travail artistique.

Elle a été invitée à présenter ses projets par des institutions telles que la Sharjah Art Foundation, la London School of Economics, le Pôle Pixel et l’Institut français d’Algérie. Son dernier film, L’Arche, a remporté le Prix Renaud Victor au Fid Marseille et a été sélectionné en compétition officielle dans plusieurs festivals internationaux, dont le Festival international du court-métrage de Clermont-Ferrand, les RIDM, et le Festival du film de Camden.
À travers des projets audiovisuels, photographiques et performatifs, elle interroge et explore le renouvellement de l’imaginaire associé à la ville et aux corps qui l’habitent, ainsi que les formes de contrôle, de domination et de résistance du corps.

Martí Madaula Esquirol

Martí Madaula Esquirol (Sabadell, 1996) est diplomé des beaux-arts de l’Université de Barcelone, d’une maîtrise en arts visuels de la LUCA School of Arts de Gand (Belgique) et d’une maîtrise en cinéma, vidéo, nouveaux médias et animation de la School of the Art Institute de Chicago. En 2019, il reçoit le Prix extraordinaire des beaux-arts (Université de Barcelone). En 2021, il reçoit une prestigieuse bourse de la Fondation La Caixa pour poursuivre ses études aux États-Unis.
Son premier film, The Living Wardrobe, a été présenté à Visions du Réel 2024, l’un des plus importants festivals de films documentaires et de non-fiction. Il a présenté son travail dans des expositions personnelles telles que « L’Armari Vivent » (Prats Nogueras Blanchard, 2024), « Tough, Reliable and Almost Cuddly » (SITE 280 Gallery à Chicago, 2023), « To Recover the Bedsheets from Manchester » (Museum of Sabadell, 2021) ou « Stronger than Air, Thinner than Ice » (Observatoire astronomique de l’UGent, 2019), entre autres. Il a également participé à plusieurs expositions collectives.

Xavier Montoriol

Xavier Montoriol est diplômé en langues et littératures modernes à l’Université de Barcelone (UB), puis a étudié un master en études comparatives de la littérature, de l’art et de la pensée à l’Universitat Pompeu Fabra (UPF) et en commissariat de films à Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), où il écrit et réalise son premier court métrage, Cantarà l’alosa (2024). Un deuxième film, A cidade, est actuellement en post-production.

Il travaille également comme traducteur, et écrit des critiques de films pour différents sites.

Anna Mundet Molas

Anna Mundet Molas est une chercheuse prédoctorale et cinéaste de Barcelone, titulaire d’une maîtrise en cinématographie et études des médias de l’Université Pompeu Fabra.

Ses œuvres ont été présentées dans des festivals tels que l’Academia Film Olomouc, le Braga Science Film Fest et le Barcelona Film Fest. Elle est la cofondatrice de Malniu Films, une coopérative cinématographique à but non lucratif gérée par des artistes et, en 2023, elle a été membre du jury de la compétition NEST au Festival du film de San Sebastian.
Son travail artistique explore l’intersection entre technologie, cinéma et environnement, en utilisant les nouveaux outils médiatiques et des formes expérimentales des domaines de l’écologie spéculative, des humanités environnementales, de la théorie de l’image et des études critiques de l’IA.

Janaína de Oliveira Gerdemann

Janaína de Oliveira Gerdemann a grandi à Recife (Brésil) et à Heidelberg (Allemagne). Elle a étudié le cinéma à la Hochschule Darmstadt où elle a obtenu son baccalauréat. En 2017, elle a travaillé sur le premier documentaire Damroze Akwe: Love and Resistance. Depuis 2021, elle est membre du Ore Arts Collective, travaillant comme cinéaste.
Elle crée des films sur les expériences et les histoires de la communauté noire. Ses films cherchent à provoquer la réflexion sur des questions sociales majeures. Janaína met en valeur la résilience et la créativité au sein de sa communauté.
Outre son travail avec Ore Arts, elle est impliquée dans de multiples projets artistiques. Janaína œuvre pour rendre l’industrie cinématographique plus inclusive et contribuer ainsi à façonner un avenir meilleur.

Samantha Rodríguez González

Sam (elle / iel) est une artiste et cinéaste multidisciplinaire afrocubaine basée à Berlin dont le travail explore le rétro-futurisme, l’afrofuturisme et la vie caribéenne avec humour et surréalisme. La pratique de Sam comprend le jeu, la production, l’écriture, le tournage, le montage, la peinture, la sculpture et la danse. Ayant vécu à Cuba, en Espagne, au Portugal, en Équateur et en Allemagne, Sam apporte une riche perspective culturelle et une maîtrise de plusieurs langues à son travail. Iel donne la priorité à la représentation inclusive et plaide pour une narration décolonisée.

Actuellement, Sam poursuit plusieurs diplômes en études latino-américaines, ainsi qu’en sciences du cinéma et du théâtre. Son court-métrage, KHRONIC SATURN SYNDROME réalisé en Allemagne en 2024, est son projet le plus récent.

Phuong Thao

Phuong Thao est une artiste et cinéaste originaire de Hanoï. Elle travaille en France, en Allemagne et au Vietnam. Ses œuvres suivent les traces des personnes, des histoires et des objets à travers les frontières culturelles et politiques, formant une série de portraits les situant dans l’histoire.
Elle a expérimenté la non-fiction sous de nombreuses formes : documentaires, fiction, installation et littérature. Son vif intérêt pour les interactions sociales et leur articulation avec les questions sociopolitiques l’a conduite vers des figurants ou, en d’autres termes, de parfaits inconnus. Elle s’autorise, elle-même et ses collaborateur·ices, à être ouvert·es, sensibles aux mouvements perpétuels, et ce qu’ils ou elles représentent, avançant à la recherche de signes, d’idiosyncrasies.
Phuong Thao expérimente des formes plus intentionnelles, écrites et chorégraphiées pour ses futurs projets.

Adélie Vertès

Adélie Vertès naît « bébé éprouvette » en Australie de parents français et grandit dans le sud-ouest de la France. Diplômée d'une licence d'études cinématographiques à l'Université Paris 7, elle réalise en 2021 son premier court métrage Bourrache, inspiré d'une rencontre avec une herboriste, en autoproduction avec Fumigènes Films. Elle est actuellement membre du groupe de travail Narraction, un programme de la Haute école des arts du Rhin à Strasbourg.
Le travail de Vertès nous invite à reconsidérer notre rapport politique au territoire, aux paysages de l'enfance et aux dimensions géographiques et sociales qui nous définissent, en particulier le clivage ville-campagne. Elle travaille également sur les thématiques liées au soin et aux techniques traditionnelles de guérison (herboristerie, magnétisme) dans ses écrits, films et photographies, pour lesquels elle cueille notamment des plantes médicinales en zone périurbaine. Elle œuvre actuellement à la réalisation d’un documentaire qui suit les mouvements de résistance contre la construction de l'autoroute A69, reliant les villes de Toulouse et de Castres.

Zhou Yinglin

Zhou Yinglin est une artiste vidéo et nouveaux médias. Elle est titulaire d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université des arts de Berlin et doctorante à l’Université des arts de Linz.

Zhou explore l’identité, l’espace numérique et l’égalité culturelle, abordant des questions telles que la reconnaissance de l’identité, le déplacement et les lacunes postcoloniales. Ses œuvres, à l’esprit satirique et à la perspicacité politique, offrent une vision futuriste de l’égalité culturelle, offrant ainsi une analyse approfondie.

Elles ont été présentées dans de grandes institutions artistiques dans le monde entier, telles que Ars Electronica Center Linz, Art Basel Hong Kong’s Film Program.