Anne Teresa De Keersmaeker

El Centre Pompidou presenta «Work/Travail/Arbeid», una exposición coreografiada por Anne Teresa De Keersmaeker, adaptada de otra de sus creaciones, Vortex Temporum, para la que la coreógrafa belga se inspiró en la obra musical epónima del compositor Gérard Grisey. De Keersmaeker no solo ha trasladado un tipo de espectáculo a otro ámbito, sino que lo ha reformulado como una exposición de nueve días. Explora los vínculos entre la música y la danza, nos invita a ver el movimiento ofreciéndonos solo el sonido; nos invita a percibir la música, mientras solo vemos la danza.

Bernard Blistène – ¿Qué significa para usted exponer la danza? ¿Cuando se le ocurrió esta idea?
Anne Teresa De Keersmaeker – Me lo propusieron mientras trabajaba en la obra Vortex Temporum. Este espectáculo está pensado en varios estratos, en varios niveles, con una acumulación progresiva de elementos. Es lo que me inspiró el diseño hojaldrado del tiempo de la exposición. No quería transponer las costumbres del teatro al espacio de una galería de museo. Al contrario, me atraía la operación inversa: tomarme el tiempo necesario, desplegar el proceso coreográfico en un periodo considerablemente más largo. Un espectáculo fusiona todas las capas. La exposición las aísla, una a una, y sugiere infinidad de posibles combinaciones.

BB – ¿Cómo ha construido el argumento de esta obra?
ATDK – El punto de partida es la estructura de Vortex Temporum, con cada una de sus partes deconstruida y las voces separadas. En lugar de trabajar con una coral de siete voces juntas, hemos considerado las pequeñas unidades visuales y musicales primero de forma independiente, y luego las hemos asociado de dos en dos, de tres en tres, de cuatro en cuatro, etc. En el fondo, es como si pusiéramos al descubierto la escritura de un espectáculo, etapa a etapa, no de manera didáctica, sino empírica. El resultado es un ciclo de nueve horas; esa duración no coincide con los horarios de apertura del museo, diez horas al día [NdR: el espacio de la Galerie Sud I está abierto de 11:00 a 21:00, excepto los martes].

BB – ¿Qué vínculos percibe hoy entre la danza y las artes plásticas?
ATDK – No es que piense que todo el arte sea político, pero creo que Jean Genet tiene razón al decir que el artista cuestiona el estado de las cosas, y eso implica una determinada forma de anarquía. El mundo de hoy nos desorienta por su multiplicidad inalcanzable y su complejidad. El centro ya no existe; solo queda el consumo de objetos. Por eso, mi anarquía consiste en desarrollar una determinada simplicidad, una inercia, una lentitud, para hallar la intensidad prescindiendo de lo espectacular. Es una tentativa modesta de crear un nuevo marco, a partir del cual podamos considerar las cosas con otros ojos. La danza puede aportar a la exposición algo bastante novedoso: una experiencia vivida colectivamente, que tiene que ver con un sentido renovado del instante. Tampoco se trata del instante teatral (black box). Más fluido y menos impaciente, el espacio-tiempo del museo (white cube) nos abre hacia lo incontrolable. Puede ocurrir que, de una manera imprevisible, el instante sea vivido como una experiencia de lo colectivo.

Por Bernard Blistène, Director del Musée National d’Art Moderne

Con la colaboración de la Ópera de París